This legendary underground film criticized neo-colonialism and called for the overthrow of the Argentine government. Intended to be a film which “the System finds indigestible,” La Hora was made and distributed outside of the commercial film industry. Because watching the film was illegal, the film transcended bourgeois entertainment: “We also discovered that every comrade who attended such showings did so with full awareness that he was infringing the System’s laws and exposing his personal security to eventual repression. This person was no longer a spectator; on the contrary, from the moment he decided to attend the showing, from the moment he lined himself up on this side by taking risks and contributing his living experience to the meeting, he became an actor, a more important protagonist than those who appeared in the films.
Cine, revolución, liberación... 
Ya que este filme es un documental, la composición de las imágenes están producidas en tal manera de que representan los acontecimientos de octubre 22, 2002 lo más precisamente posible. La mayoría de la película está compuesta por clips cortos tomados de experiencias de la vida real. Experiencias de los familiares y amigos de Sandro tanto como grabaciones reales de la situación de rehenes en el bus 174. La forma en que el director editó y compuso esta serie de imágenes, clips y grabaciones agrega al elemento de drama y produce sentimientos de suspenso, enojo y confusión en el espectador.
Un tipo de ángulo que se usa mucho a través del documental es el ángulo de a vista de pájaro. Este tipo de ángulo se ve al principio de la película donde la cámara se mueve rápidamente por el mar y después por toda la ciudad a lo largo de la costa de Brasil. También se usa este mismo tipo de ángulo cada vez que uno de los personajes explica el lugar de donde vino, o algún sitio donde haya pasado un evento relevante a la situación de Sandro. Junto con esta toma, se usaron técnicas de zoom (acercamiento) cuando se hablaba de un edificio, calle o institución en específico.
Encuadres estrechos, planos generales y de conjunto se usan cuando se quiere mostrar un conjunto de personas o una parte de la ciudad con más detalle. Un ejemplo de esto es en la escena donde están todos los jóvenes sentados a lo largo del plano de la cámara y cuando se muestran a las personas sin hogar en las calles. La mayoría de las veces, las imágenes en el plano representan el tema del cual el personaje está hablando. Unos ejemplos son, cuando están hablando de la prisión, vemos imágenes de la prisión y cuando el personaje está explicando la importancia de las cámaras y los medios de comunicación, vemos que la cámara se dirige a mostrar imágenes de las torres de comunicación.
Otro aspecto interesante en la película fue en la escena de la segunda parte donde la cámara entra a una de las prisiones de Brasil y durante el tiempo en donde esta adentro de la prisión grabando a los presos los colores de la imagen cambian a tener un filtro Sepia. Este efecto produce un sentimiento de “fuera de este mundo”. Lo que significa que uno entra a un lugar que no es humano. Este efecto representa el hecho que los prisioneros comparan el lugar con el infierno. Hay un sentido de sufrimiento y miedo al ver las imágenes.
Por último, otra técnica que destaca en el documental es la cámara libre y el ritmo lento que se le aplica a los eventos que suceden. La cámara libre produce una imagen inestable, borrosa y desorganizada. Esto agrega al sentimiento de confusión de la situación. Al ver este documental, no sabemos la resolución del problema hasta el final. Esto nos lleva a una montaña rusa de sentimientos inciertos al no saber qué es lo que va a pasar al mismo tiempo que la cámara se mueve en una forma desordenada agregando a este sentimiento.
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Hay muchos sonidos de los que se puede hablar en “La hora de los hornos”, porque toda la película está en la ‘voice-over,’ así que creo que los sonidos y música estaban muy bien pensados. Los principales narradores son un hombre y una mujer que nos cuentan la historia y muchos hechos sobre América Latina. Sus voces son tranquilas pero también suenan serias, lo cual es una buena forma de narrar esta película por su contenido. La música que tocan en los comienzos suena principalmente indígena con muchos sonidos de tambores y canto. Esto se conecta con la película porque creo que solo ponen esas canciones cuando se habla de los grupos de personas que están oprimidas, viven en la pobreza y probablemente sean los indígenas de esos lugares. También hay algunas escenas donde la superposición de sonido hace que la escena sea un poco ruidosa y da una sensación de urgencia. Un ejemplo de cómo se utilizó el sonido para provocar una urgencia es en la escena “3 La violencia cotidiana”, donde los trabajadores cuentan sus historias personales en un ‘voice-over,’ pero también hay ruidos de fábricas que son repetitivas y ruidosas en el fondo. En esta escena se habla de las injusticias que se ven en los trabajos de estas factorías.
Creo que las elecciones musicales demuestran muy bien las escenas de la película. Pensé que era interesante cuando el narrador dijo que a la gente se le decía que “pensara en inglés”, me recordaba a Sergio de “Memorias del subdesarrollo”, e incluso a esta escena le ponen música apropiada, una canción en inglés.
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Para analizar el mise-en-scene de “La hora de los hornos”, uno tiene que pensar más en la edición del documental. En vez de los otros elementos de mise-en-scene que uno normalmente puede analizar durante una película, el espectador tiene que pensar en por qué el director intenta grabar en un estilo de realismo, y tiene que pensar por ejemplo en lo que está incluido en cada escena, y lo que no está incluido.
Para empezar, en el parte del documental que se trata del neo-racismo en Argentina, hay algunas entrevistas de las personas indígenas que viven en Argentina. Hay una entrevista de un hombre indígena que habla de las dificultades de su vida y la vida de su familia. El director tiene una idea de donde quiere grabar la entrevista, y por ejemplo, en vez de mostrar la imagen de solo este hombre que está hablando, el director pone el hombre junto con su familia grande, y la escena parece lleno. También, en vez de tener la entrevista adentro de un edificio, o tener el hombre sentado enfrente de algunos libros en una biblioteca, el director elige el escenario enfrente de la casa pequeña de la familia grande, tal vez para mostrar la pobreza de la familia y para crear la emoción de empatía en el espectador.
Asimismo, durante este parte del documental la cámara usa los efectos de zoom para seguir las personas indígenas en el pueblo, y muestra que en sus caras que las personas están muy incómodas con la cámara. Tal vez el director quiere mostrar la pobreza del pueblo de otra manera, en que él muestra como la gente que viven allí son muy incómodas con la tecnología, otra manera para mostrar la pobreza de la gente y las dificultades de su situación.
Durante otra escena, en parte nueve, el director escoge algunas comparaciones interesantes y fuertes, que tienen un efecto grande en el espectador. El director compara y contraste algunas escenas felices de comerciales estadounidenses con escenas brutales y sangramientos de la matanza de vacas y ovejas en una fábrica. Durante la escena, la música clásica y hermosa está en el fondo y contraste también con las escenas brutales de la fábrica de carne, y crea un sentido incómodo para el espectador.
Aunque a primera vista el mise-en-scene de “La hora de los hornos” no parece obvio, es evidente durante todas las partes del documental que todo el realismo de las escenas está, de hecho, creado por las decisiones del director.
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El objetivo de esta película es, sin duda, propagandista. El uso de títulos en mayúscula, la división de sus temas y la selección de citas de poetas y activistas izquierdistas no dejan ninguna duda en cuanto a la perspectiva que se expone. Pero es la cinematografía en sí que la rescata de ser solo una diatriba política.
Sentimos profundamente el hambre y la miseria del pueblo como resultado del uso incesante del primerísimo plano, y a la vez nos acercamos muchísimo a la clase elite en sus funciones públicas y privadas como resultado de la misma técnica. Se emplea la narración de cifras sobre el desequilibrio de recursos entre las clases sociales, pero son las imágenes (muchas de ellas desde muy cerca) que nos convencen de la injusticia del neocolonialismo. Entramos al mundo de obreros en una fábrica siguiendo los pasos de ellos por medio de la cámara libre, o sea, la cámara llevada al hombro. Esta misma técnica nos lleva por el mundo de los intelectuales en una recepción del salón de Pepsi Cola. Es decir, no nos quedamos como espectadores, y eso es resultado de la selección de técnicas cinematográficas.
Otro factor es la yuxtaposición de imágenes en muchas secuencias, a veces de forma un poco desmañada. Por ejemplo, en la novena sección la narración habla de la dependencia económica y cultural de una Argentina siempre vinculada al extranjero. Las imágenes saltan repetidas veces entre un matadero (escenas inolvidables, gráficas, sangrientas) y un diluvio de propaganda capitalista de productos del extranjero. El mensaje visual es que somos iguales al ganado en el matadero si soñamos con los premios del capitalismo.
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El propósito de la música y los sonidos editados a este documental es acompañar a las imágenes que se muestran y al dialogo de las dos personas que presentan las estadísticas sobre Argentina. Aparte de las dos voces que aparecen a lo largo del documental, se agrega al sonido, grabaciones de obreros contando sus experiencias, canciones nativas y composiciones nacionalistas entre otros efectos auditorios.
La película empieza con un sonido creciente que imita disparos. Es interesante como la música en el principio imita el tema del que se escribe en la película. El sonido está compuesto por el mismo patrón de tres notas, una y otra vez. A la vez, se escribe temas como “un mismo pasado, un mismo enemigo, una misma posibilidad” más adelante sale “desposeídos, marginados, condenados” y también la repetición de palabras como “liberación”, “nuestra” y “poder”. La música y el tema reflejan el mismo tema de igualdad en la sociedad. El tema que todos sufrieron las mismas desgracias y abusos durante los problemas políticos de Argentina en los 60. En lo que las imágenes y sitas políticas se intensifican, también la complejidad de la música, pero manteniendo la base de las tres notas que se repiten.
Las escenas donde se presenta a gente nativa están acompañadas por música nativa o sonidos simples. Por ejemplo, el sonido de una flauta sobre una serie de imágenes sobre la cultura nativa de Argentina. Por otro lado, la escena de los trabajadores latifundistas y de los niños está acompañada por una canción tipo opera sobre la majestad del país creando un sentido irónico a la escena.
Otro aspecto de la edición auditoria de este documental es que dependiendo del lugar sobre el que se trata la escena, se cambian los tipos de músicas y sonidos ambientales. Por ejemplo, cuando hay un cambio de área rural a área urbana, se va de un sonido simple o nativo a sonidos más complejos. En una escena, el área urbana se acompañó por sonidos de tono alto hecho por piano, instrumentos de latón y sonidos electrónicos se convierten el sonido la ciudad. En otra escena se introdujo una composición de género nacionalista hecho por instrumentos de latón, percusión pesada e instrumentos de viento. Un estilo de composición con influencias europeas reflejando las maneras europeas que las ciudades quieren seguir. Un último ejemplo se puede ver con la técnica de sobre voces. Esta técnica se usa en escenas urbanas como por ejemplo con los trabajadores de fábricas cuando cuentan las injusticias por las cuales tienen que vivir.
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El tema integral de este documental es la propaganda, que es “información, especialmente de naturaleza tendenciosa o engañosa, utilizada para promover y publicitar una causa o punto de vista político particular”. Desde el principio, este documental es muy directo al respecto. En sus letras grandes y audaces, es casi como si estuvieran gritandonos “ES FALSA LA HISTORIA QUE NOS ENSEÑARON”. Eso en sí mismo insinúa que lo que se enseñó antes era propaganda. El sistema educativo se usa para educar a las masas, y es fácil manipular este sistema para inculcar propaganda. Esta película busca hacer lo mismo, y son muy metódicos sobre cómo lo hacen.
Empieza rápido, breves recortes de video acompañados por el sonido de la batería y frases en letras largas hacen que el corazón bombee, nos agitan y establecen el tono para el resto de lo que vamos a ver. El objetivo es enojar al espectador y estimularlo a actuar en contra de lo que se considera una injusticia. También dicen, “UN PUEBLO SIN ODIO NO PUEDE TRIUNFAR… EL HOMBRE COLONIZADO SE LIBERA EN LA VIOLENCIA.” Es interesante anotar el año en que salió esta película (en 1968) y pensar en los disturbios civiles que estaban teniendo lugar en los Estados Unidos al mismo tiempo. De acuerdo, las circunstancias eran muy diferentes, pero también lo era el uso de la propaganda y la ideología. MLK hizo hincapié en la no violencia, así que aunque puedo sentir la rabia detrás de la realización de esta película, no puedo estar de acuerdo con la declaración anterior sobre el hombre colonizado que se libera a sí mismo a través de la violencia.
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La composición de imagen en La hora de los hornos, me pareció interesante porque empieza con diferente tipos de planos que pasan rápidamente. Me pareció interesante que los planos pasaran muy rápido, fueran en blanco y negro, porque solo nos permití ver parte de lo que está sucediendo. Otra observación que hizo sobre la composición de imagen es que la cámara parece estar libre, porque las imagines y escenas parecen estar un poco temblorosas, y también la forma en que la cámara sigue a los personas es en una forma muy libre porque se mueve en ángulos que un trípode podría hacer. En esta películas hay muchos primerísimos planos, los cuales se enfocan en los detalles de las personas. Por ejemplo, hay una escena donde hay como cinco personas en línea, el plano medio cambia a un plano primerísimo y se puede ver los detalles de las caras de las personas, y de una forma podemos notar que son personas humildes, trabajadores, y tristes. También hay otra escena donde el plano general capta el lugar y establece lugar de acción, por ejemplo cuando están hablando del país, muestran a Argentina y sus edificios, mientras a que en los lugares de los obreros muestran el campos. Estos planos generales nos muestra que lugares como Argentina están poblados, y hay más dinero, en cambio los campos son solo tierra, esto muestra que no hay una población grande y que todavía esta subdesarrollado. Para mi personalmente me intereso mucho la técnica que uso el director, porque hay muchos tipos de planos, note que los planos generales solo nos permite una parte de la escena y causa que solo te enfoques en lo que tus ojos quieren ver. En contrario, los planos primerísimos se enfocan en los detalles y nos permite ver lo que el directo esta enfocando su punto de vista.
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En la película La Hora de los Hornos, la composición de la imagen de la película es muy particular para el tipo de película que representa. La velocidad de la película cambia mucho a lo largo de la película, lo que puede generar ansiedad en la audiencia o una sensación de adrenalina. Hay momentos en que las imágenes de texto llegan a la audiencia a gran velocidad sobrecargando los sentidos visuales, y hay otros casos en los que la velocidad de la película parece normal o incluso más lenta, centrándose en una imagen durante un tiempo particularmente prolongado. Cuando la velocidad de la película se ralentiza, parece ser una indicación para el público de que lo que están viendo es de particular importancia, como los disparos y la entrevista de las poblaciones indias y sus luchas.
La película también tiene muchos ejemplos de perspectivas, estableciendo muchos factores diferentes. Por ejemplo, en el segmento de la película que describe la masa de tierra de Brasil, el foco cambia de centrarse exclusivamente en un sujeto a alejarse y perder el foco de ese objeto o persona para ilustrar visualmente el inmenso tamaño de la tierra no utilizada. El efecto de esto es una creación de gran profundidad que muestra cuán vacía y sin usar gran parte de la tierra está en América Latina. En contraste, los planos que incluyen a la ciudad de Buenos Aires están muy abarrotados y el marco de estas escenas específicas atrae mucha atención a la masividad y riqueza de la ciudad. La película se centra en gran medida en mostrar esta contradicción entre la ciudad y las tierras rurales y los pueblos pasando de un marco amplio para fotos de naturaleza a un marco estrecho más estrecho para los planos industriales.
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La hora de los hornos por Fernando Solanas es una película de tercer cinema que cuenta la historia de los políticos neoliberales de américa latina. La película inicia con mensajes y citas de escritores revolucionarios, como Frantz Fanon, que inspira rebelión, violencia y revolución. Esta película es una forma de propaganda en favor de una guerra contra de los poderes que continúan a explotar a las poblaciones de latino america.
Porque el film es un documental sobre la historia de neoliberalismo en los países tercermundistas, el director usa muchos filmos archivos para su documental que está en la escala de grises. Por eso, el entorno del film esta en la escala de grises. La primera parte de esta película tiene trece partes individuales que son llamados por las problemas que son causados por neoliberalism. Por ejemplo, el segundo parte, se llama “El País” muestra tomas de planos generales de los campos y el narrador dice sobre la fertilidad y abundancia de Argentina. En el siguiendo parte, se llama “la violencia diario”, la primera toma es una vista de pájaro de cámara libre que crea un sentido de ansiedad. La próxima toma tiene el sonido de una bomba y un hombre corriendo. Mucha de la película tiene tomas de cámara libre que contribuye al estilo guerrillero. El director trata a da un sentido de inseguridad para muestra las peligras de los países neoliberalismos. El director crea este sentido con la usa del angula contrapicado en el quinto parte, también. Esta parte se llama, “Oligarchia”, muestra imagenes de militares y estatuas de figuras religiosas del angula picado para muestra su dominio sobre américa latina. Aunque américa latina tiene tantas recursos naturales, son explotados por los países occidentales. El director muestra esta relación con un video de una vaca que está matando y cortes de anuncios europeos.
A través de los planos, tomas, corte y ángulos, el director puede a mostrar la relación opresiva entre latinoamérica y los países occidentales
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La hora de los hornos es una película que va más allá que otras por el significado political que tenia. Había un poder entre los espectadores porque ellos supieron que fuera ilegal y que podrían ser perseguidos solo por verla. Esta película se trata del desarrollo de américa latina, específicamente Argentina, por los cambios del estado de colonización, neocolonización, y mas. El mise-en-scene no parece muy clara en esta película, pero por eso tiene una imagen muy fuerte. Por las imagenes rapidas ella construye un imagen del poder del estado y como estaba afectado por los poderes internacionales. El mise-en-scene muestra la diferencia por las clases sociales por lo que se llevan, el narracion de las vidas de ellos, y que hicieron en las escenas. Los personajes de clase baja estaban vestidos en ropa simple, con narracion de que el gobierno los trataron como nada, y en un lugar rural. Al contrario los personajes de burguesa estaban vestidos en ropa fina de seda y piel, con narracion de como llegaron ahi por dinero por los conexiones europeos o estadounidenses, y en actividades lúdicas en la ciudade. Esas es una manera de mostrar la crítica de la sociedad por el mise-en-scene una película.
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Analizando esta película por los sonidos podemos escuchar la variedad de estilos musicales que influyen a la Argentina de esa época y también podemos en parte entender los argentinos de la actualidad. La película empieza sin sonidos y luego incorpora sonidos de tambores con influencia indígena y africana.
Utiliza música rápida para enfatizar en los conflictos que la película revela. Durante las peleas la música va mas rápido. También combinan la música con los gritos. Para mostrar el estrés que tienen la gente y poder transmitir ese sentimiento a través de la música.
Es muy común que la voz del narrador es la mas fuerte en todas la escenas.
La película también incorpora sonidos de instrumentos indígenas (Ocarinas) para representar al ese pueblo olvidado de gente pobre y muchas veces desalojados de áreas que originalmente eran de ellos. Los sonidos de estas ocarinas generan un sentimiento de nostalgia y tristeza.
En la parte tres, el sonido fijo de trompetas y acordes diabólicos combinados con sonidos de motores nos transportan a lo confuso y escandaloso que es el fenómeno de industrialización. Muchos sonidos desagradables representan la industrialización durante esta película, ya que es parte de la queja de la película..
En la escena donde hablan del abuso de los trabajadores se combina con la música de sonido de empacando cajas y trabajadores. El sonido se revuelve con todos hablando y quejándose de los que pasa. Suenan como millones de ellos quejándose pero nadie hace nada. Se quejan de trabajar hasta once horas laborales y aun seguir pobres.
Suena un quijongo donde hablan de los problemas económicos de la sociedad. En general es una película muy rica en música por toda la influencia que recibe Argentina y también por la música autóctona y la creada por los pobladores criollos de ahí como el tango. También se aprecia la música en ingles que influye a la gente de Buenos Aires para separarlos de lo criollo y olvidarse del pueblo pobre que es explotado.
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El mise-en-scene en el documental La hora de los hornos esta centrado en presentar una imagen realística de Argentina a fines de los años sesenta. Algunas de las escenas mostradas son parte de material de archivo y la mayoría tomadas para el documental las cuales muestran diferentes ambientes reales, como la ciudad o las provincias. La presentación de esas imágenes refuerza las temáticas de la película y el punto de vista que se espera entregar.
Al mostrar cómo vive la gente en la ciudad de Buenos Aires tanto burgueses como pobres el documental intenta mostrar una realidad que no muchos están acostumbrados a ver o a admitir. Luego pasan a las imágenes provinciales en las cuales muestran la pobreza y marginalidad en la que viven muchos argentinos y el mundo paralelo que viven aquellos que gozan del trabajo de otros.
La intencionalidad de mostrar diferentes “actores” en su ambiente natural le da mas credibilidad al significado del documental que trata de expresar quienes son los que pertenecen o son considerados partes de la nación y los que no. Los burgueses se ven cómodos en sus actividades sociales mientras que los indígenas que viven en lugares mas apartados se sienten incomodos al ser grabados.
Por último, los elementos de mise-en-scene no son tan manipulados como lo son la elección de ciertas imágenes por parte del director para hacer que el mensaje sea más fuerte. Hay un balance en las imágenes mostrando tanto un lado como el otro de la problemática, pero haciendo que las personas sean las que personifican lo que sucede.
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“La hora de los hornos”
El punto de vista en esta película es la gente contra el gobierno y la oligarquía, que es patrocinado por el neo-colonialismo. “La hora de los hornos,” comienza con una secuencia de tomas mostrando a las personas golpeadas y luchando contra la policía, emparejado con el ritmo rápido del tambor antes de la pantalla fundido negó. Un fuerte sentido para el punto de vista es una cita del comienzo de la película:
“mi apellido: ofendido
mi nombre: humillado
mi estado civil: la rebeldía”
Mostrando cómo se siente la persona en general, sin nombre y sin representación del estado. En general, para enfatizar aún más este punto de vista, la película usa hechos en relación con el gobierno, la oligarquía y neo-colonialismo. Uno de los más fuertes, “50 familias argentinas han tomado más de diez millones de acres de tierra.” Creando un punto de vista negativo hacia el poder en el país, donde el poder conduce a la desconfianza.
La gente de Argentina se siente que el gobierno y la oligarquía han explotado los recursos del país. En este sistema, los ricos se vuelven más ricos, dejando atrás al resto de la gente en la pobreza y la opresión. Sin embargo, la gente ve esto como un síntoma de neo-colonialismo. Una persona detalla cómo el sistema no funciona, “Cada día trabajamos más para cobrar menos.”
Una toma hacia el final de la película hacer una impresión en mí, había un grupo de ovejas que cuelgan con sus cuellos cortar. El punto de vista de esta toma es las personas a veces son indefensos, mientras los lobos tienen todo lo que el país tiene para ofrecer.
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La película la hora de los hornos me pareció muy interesante porque es tipo un documental que habla sobre los países latinoamericanos y un poco explica cómo se constituyó y lo que es los países latinoamericanos. Analizando el sonido de la película podemos entender la Argentina del pasado y presente. Al comienzo de la película podemos escuchar como el sonido de los tambores incrementa, la cual me hace pensar en alguna tribu indígena, y a esto se le suma las voces de personas como si estuvieran haciendo un ritual o estuvieran cantando, la voz es mas femenina. El sonido de la película acompaña a las imágenes, acompaña a la narrativa.
Como es un documental podemos escuchar por partes pedazo de grabaciones de obreros hablando sus experiencias, al igual que se puede escuchar musica indígenas, que cantan en su lengua. En contraste de esas musicas tambien hay sonido de musica de opera la cual pareciese ser una canción patriótica. Esta película tiene una mezcla de sonidos, está compuesta por varios sonidos que cada sonido ayuda a las imagenes, que ayuda a sumergirme en la atmósfera de cada imagen. Ambienta la escena desde la narrativa, de el locutor/ra.
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Hola,
También encontré que esta película es súper interesante, especialmente en cómo incorporaron otros países en América Latina. Tampoco sabía demasiado sobre la historia de lo que había sucedido en Argentina. También es increíble cómo estas luchas por el cambio social estaban sucediendo en la década de 1960, sin embargo, todavía estamos luchando por algunas de las mismas cosas en 2018.
-Kina
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La hora de los hornos era una película interesante, pero parecía ser la mayoría en el sentido de las imágenes de esa época. Algo que encontré interesante fueron las “voces en off”, la música y la música que siguió a cada escena. La composición de las imágenes en La hora de los hornos parecía estar bien pensada. La cámara nos hizo sentir como si estuviéramos allí al lado de la gente, era inestable, se sentía como si estuviera en la película en algunos puntos. Me gustó cómo la película parecía dividirse en diferentes partes, ayuda a dar una mejor comprensión de la lucha del cambio social. Una escena que realmente me hizo sentir como si estuviera allí fue cuando los niños corrían con el tren y la niña los miraba mientras comiendo su chicle. Ella solo miró a los niños corriendo, sin expresión, solo mirándolos. Esta película fue poderosa, las imágenes y la forma en que hizo esta película. Le mostró a la audiencia un excelente ejemplo de la lucha con el cambio social no solo en aquel entonces sino lo que está sucediendo ahora en nuestro mundo. Me gusta cómo se acortaron y se juntaron los clips para esta película. Fue especialmente poderoso para esas imágenes que se muestran al mundo en ese momento.
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La hora de los hornos fue una de las películas mas interesante que vemos. Algunos de los aspectos que menciona son que pense esteticamente sobre la hora de los hornos. El uso de musica fue efectivo y muchas de las tecnicas composicional fueron muy efectivo. El parte mas interesante para mí fue también el mensaje poderoso del cambio social. Un buen ejemplo de porque algunos escogen expresar esas cosas a traves del cine, puede comunicarlo.
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Mise-en-scène de la película “La Hora de Los Hornos” es vasto y contiene muchas cosas buenas para analizar. Necesito más que 300 palabras para hablar todos aspectos del Mise-en-scène, pero una cosa que yo hablaré sobre es como este aspecto del cine que reflecta realidad y la naturaleza, en este caso es también una representación de la cultura, sociedad, y los pueblos por quien la película fue hacer.
Le película parece como un documentario con la manera de que las personas, su situación, y el escenario son representado. Yo sé un poco sobre Argentina pero este película comunica tan mucho sobre la cultura y sociedad, y es tan significativo a la narrativa y el mensaje porque comunica de una perspectiva de las Argentinas, el pueblo de la realidad y la nación. Eso es porque Mise-en-scène es el aspecto cinematográfico más importante por esta película. La representación narrativa de la película crea una buena reflexión de la experiencia y realidad de los pueblos. Los campos y la tradición y la verdad manera de vida de las argentinas contraste con la burguesía y el neocolonialismo del tiempo. Hay tantos detalles únicos en esta película, desde el examen de imágenes fijas, instantáneas sinceras de todos los ámbitos de la vida argentina, viñetas y retratos de tantas caras y ciudadanos. Mirando esta película es tan bueno porque todo de la película representa la perspectiva de un hombre justo. Cada vez que visito otro país me gustaría poder ver y entender la situación de manera similar a los que viven allí y crear la situación, y esta sensación hace algo así. En la película, a través de la realidad y la objetividad de Mise-en-scène, los filmadores crean la perspectiva de quienes se ven afectados por el neocolonialismo y por qué están siendo perjudicados, y lo que es más importante, lo hacen sin necesidad de argumento adicional.
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